La Focal Ideal para Retratos

En la fotografía de retratos, la distancia focal del objetivo que usemos puede tener efectos muy directos en el resultado que obtengamos. Cambiando la distancia focal podemos hacer que nuestra foto transmita diferentes sensaciones. Por ello, conocer qué efectos crean los distintos tipos de objetivos en nuestros retratos, nos ayudará a entender cuál es la mejor opción para cada ocasión.

Antes de Comenzar, una Reflexión sobre la Focal y la Perspectiva

Probablemente habréis oído alguna vez a un fotógrafo diciendo que no va a usar un angular (focal corta) porque hace que la nariz de una modelo se vea demasiado grande, y aunque esta afirmación tiene su parte lógica, en realidad, en sentido estricto, no es correcta. La perspectiva no varía entre una foto hecha con un angular (focal corta) y una foto hecha con un teleobjetivo (focal larga), siempre y cuando la distancia entre el sujeto y el objetivo no cambie

Ese cambio de perspectiva es creado porque para obtener el mismo plano con una lente más angular, debemos acercarnos al sujeto. De ahí viene el mito.

Entonces, ¿Qué Focal es Mejor para Retratos?

No hay una respuesta sencilla ni única a esta pregunta, ya que según el plano que busquemos, nos vendrá mejor una distancia focal u otra, pero en general, los objetivos entre 85 y 135mm equivalentes en formato completo (entre 50 y 105mm para formatos recortados), son los más adecuados para retratos.

6 Objetivos para Retrato

Sigma 15-30mm a 30m

Nikon 50mm f1,4 G

Nikon 28-70mm a 70mm

Nikon 105mm

Nikon 70-200mm a 200mm

Sigma 500mm

En definitiva, y como regla general, cuanto más queramos cerrar el encuadre, mejor quedará con una lente mas “larga” (mayor focal). Si quiero hacer un retrato cerrado alrededor de 200mm ya obtengo un buen resultado y un desenfoque atractivo, y si quiero hacer un medio cuerpo, 105mm es el punto mejor equilibrado. Si quisiera realizar un cuerpo entero un 70mm podría ser suficiente.

Mi Focal Favorita para Retratos

Mi focal favorita para casi todo es el 105mm.

Un objetivo a 105mm me permite trabajar a una distancia no muy lejana de mis modelos y mantener una atractiva perspectiva. Con un 105mm cubro cualquier plano desde cuerpo entero hasta un retrato cerrado. Es una muy buena focal general.

Si mi sesión de fotos esta principalmente dirigida a planos cerrados, podría elegir una lente más larga, como un 200mm.

Y para algunos casos extremos donde quiero añadir mucho entorno, un 50mm puede ser mi elección.

La distancia a la que estoy de mi modelo es muy importante a la hora de dirigir la sesión, por lo que usar lentes muy largas puede dar lugar a dificultades de comunicación con nuestro modelo y eso también tiene que ser tomado en cuenta.

Otro Factor a Tener en Cuenta: el Entorno

No podéis olvidaros de tener en cuenta qué cantidad de entorno queréis mostrar en vuestra toma. Eso puede ser determinante a la hora de elegir la focal que vamos a usar. Mirad estas dos fotos, obviamente hay un cambio de perspectiva en la modelo, pero no habríamos podido conseguir ese plano con ese entorno sin utilizar una lente mas angular.

En este caso, la focal a utilizar puede ser más una decisión relacionada con cuánto entorno queramos añadir a nuestra foto por encima de qué distancia y por lo tanto perspectiva vamos a tener con una lente u otra.

Conclusión

En general y para los retratos habituales, usaremos una lente de entre 85 y 135mm en formato completo o una lente de entre 50 y 100mm en formato recortado.

En mi opinión, lo ideal sería contar con un 50mm, un 105mm y un 200mm en formato completo ( un 35mm, un 70mm y un 135mm en formato recortado). Si os fijáis, éstas son algunas de las focales más habituales en objetivos fijos.

Y como he dicho antes si tengo que quedarme con una sola lente, sería el 105mm para full frame.

Jon Hernandez es el fotógrafo y dispone de un blog con muchos artículos sobre iluminación. Su último proyecto KubeStudioShop acerca material de estudio de calidad a todos los amantes de la fotografía con flash.

Las Siglas de Un Objetivo:

Nikon

FX: Objetivos optimizados para cámaras con sensores Full Frame, aunque también pueden funcionar en cámaras con sensores APS-C.

DX: Objetivos exclusivos para su empleo en cámaras con sensores APS-C, no podrán utilizarse en cámaras con sensores Full Frame. (En realidad sí podrán usarse, pero darán lugar a viñeteo en tus fotos).

AF (Auto Focus): Objetivos con enfoque automático mecánico. Estos objetivos fueron fabricados para fotografía analógica y serán compatibles con cámaras digitales Nikon. Eso sí, dependiendo de cuál sea tu cámara, te verás obligado a hacer el enfoque de forma manual si lo acoplas a una D40, D40x ó D60, o podrás hacer uso también del enfoque automático si tienes un modelo superior: D80, D90...

AF-I (Auto Focus Internal): Objetivos en los que, en lugar de ser la cámara la que mueve el conjunto de engranajes necesario para enfocar, es el objetivo el que incorpora un motor interno y la cámara simplemente comunica a éste, de forma electrónica, las órdenes.

AF-S (Auto Focus Silent): Objetivos, evolución de los anteriores, con enfoque automático electrónico. Estos objetivos fueron creados para acoplarse a cámaras digitales que permitiesen este tipo de enfoque.

AF-D (Auto Focus with Distance data) o D (Distance data): Objetivos que proporcionan al cuerpo en el que van insertos información más precisa sobre la distancia a la que se encuentra el objeto enfocado. Esta información mejorará el cálculo de exposición, especialmente en tomas con flash.

G (Gelded): Como su nombre indica se trata de objetivos "capados". Objetivos a los que se les retiró, por ejemplo, el anillo de diafragmas, presente en modelos anteriores.

ED (Extra-Low Dispersion), LD (Low Dispersion), UD (Ultra-Low Dispersion): Objetivos diseñados para reducir las aberraciones cromáticas que se suelen producir, especialmente, en los teleobjetivos.

VR (Vibration Reduction): Sistema estabilizador con el que se busca reducir el efecto de las vibraciones producidas por el pulso del fotógrafo, especialmente importantes en tiempos de exposición prolongados.

SWM (Silent Wave Motor): Sistema de enfoque rápido y silencioso basado en ultrasonidos.

IF (Internal Focussing): Sistema de enfoque que desplaza las lentes internas de forma que se mantengan las dimensiones del objetivo, buscando así una mayor estabilidad en el proceso de enfoque.

RF (Rear Focusing): Sistema de enfoque en el que el elemento trasero del objetivo es el que modifica su posición y presencia para lograr el enfoque.

DC (Defocus Control): Objetivos que permiten variar con gran precisión el grado de desenfoque del fondo. Se trata de objetivos especialmente orientados a fotografía de retrato.

Canon

EF: Objetivos optimizados para cámaras con sensores Full Frame, aunque también pueden funcionar en cámaras con sensores APS-C.

EF-S: Objetivos exclusivos para su empleo en cámaras con sensores APS-C, no podrán utilizarse en cámaras con sensores Full Frame.

L: Objetivos con mayor luminosidad, de gama alta en cuanto a sus materiales, procesos de construcción y, por supuesto, precio.

UD (Ultra-Low Dispersion): Objetivos de baja dispersión construidos para reducir las aberraciones cromáticas que se suelen producir, especialmente, en los teleobjetivos.

IS (Image Stabilizer): Objetivos con estabilizador de imagen para reducir el efecto de las vibraciones producidas por el pulso del fotógrafo, especialmente importantes en tiempos de exposición prolongados o focales largas.

USM (Ultra Sonic Motor): Sistema de enfoque rápido y silencioso basado en ultrasonidos.

IF (Internal Focussing): Sistema de enfoque que desplaza las lentes interiores de forma que se mantengan las dimensiones del objetivo, buscando así una mayor estabilidad en el proceso de enfoque.

RF (Rear Focusing): Sistema de enfoque en el que el elemento trasero del objetivo es el que modifica su posición y presencia para lograr el enfoque.

DO (Diffractive Optical): Objetivos basados en elementos difractivos, lo que les permite ser más cortos y ligeros que otros objetivos de su misma focal.

FTM (Full Time Manual): Objetivos que incluso trabajando en modo de enfoque automático, permiten al fotógrafo modificar el enfoque de forma manual, en busca de mayor precisión.

Tamron

Di: Objetivos optimizados para cámaras con sensores Full Frame, aunque también pueden funcionar en cámaras con sensores APS-C.

Di-II: Objetivos exclusivos para su empleo en cámaras con sensores APS-C, no podrán utilizarse en cámaras con sensores Full Frame.

SP: Objetivos de gama alta no sólo en calidad, sino también en precio.

ASL (ASpherical Lens): Objetivos construidos con una o varias lentes, cuyos bordes tienen una curvatura distinta al resto de lentes del objetivo. Buscando así evitar aberraciones sobre la luz que penetra a través del borde del objetivo.

XR (Extra Refractive Index Glass): Objetivos constituidos por lentes con un alto índice de refracción que permiten corregir, fundamentalmente, aberraciones cromáticas.

LD (Low Dispersion): Objetivos de baja dispersión, que reducen las aberraciones cromáticas.

VC (Vibration Compensation): Sistema estabilizador de imagen para reducir el efecto de las vibraciones producidas por el pulso del fotógrafo, especialmente importantes en tiempos de exposición prolongados o focales largas.

IF (Inner Focus): Sistema de enfoque interno que desplaza las lentes internas de forma que se mantengan las dimensiones del objetivo, buscando así una mayor estabilidad en el proceso de enfoque.

Sigma

DG: Objetivos optimizados para cámaras con sensores Full Frame, aunque también pueden funcionar en cámaras con sensores APS-C.

DC: Objetivos exclusivos para su empleo en cámaras con sensores APS-C, no podrán utilizarse en cámaras con sensores Full Frame.

EX: Objetivos de gama alta, tanto por su calidad, como, obviamente, por su precio.

ASP (ASpherical Lens): Objetivos construidos con una o varias lentes, cuyos bordes tienen una curvatura distinta al resto de lentes del objetivo. Buscando así evitar aberraciones sobre la luz que penetra a través del borde del objetivo.

ELD (Extra-Low Dispersion), SLD (Special Low Dispersion) o APO (Apochromatic): Objetivos de baja dispersión, que reducen las aberraciones cromáticas.

OS (Optical Stabilizer): Objetivos con estabilizador de imagen para reducir el efecto de las vibraciones producidas por el pulso del fotógrafo, especialmente relevantes para focales largas.

HSM (Hyper-Sonic Motor): Sistema de enfoque rápido y silencioso basado en ultrasonidos.

IF (Internal Focusing): Sistema de enfoque interno que desplaza las lentes del interior del objetivo de forma que se mantengan las dimensiones del objetivo, buscando así una mayor estabilidad en el proceso de enfoque.

RF (Rear Focusing): Sistema de enfoque en el que el elemento trasero del objetivo es el que modifica su posición y presencia para lograr el enfoque.

DF (Dual Focus): Sistema que bloquea el anillo de enfoque manual cuando se hace uso del enfoque automático. De esta forma, sujetar el objetivo resulta más cómodo.

Pentax

*: Objetivos de gama alta.

A: Objetivos con enfoque de tipo dual, para una mayor precisión, tanto en enfoque automático como en enfoque manual.

FA: Sistema autofocus construido con la opción de selección automática de la apertura, a través de la cual se puede conseguir una mayor definición en modo programa.

J: Objetivos que no disponen de anillo de diafragmas junto a la balloneta, por lo que para cambiar siempre se debe hacer desde el dial.

D: Objetivos construidos unicamente para sensores de réflex digital de tamaño APS (22×15 mm.). No se pueden utilizar con réflex de película.

AL: Lentes especiales de superficie no esférica.

DA: Objetivo especial para réflex digitales con factor de recorte 1,5.

DFA: Objetivos optimizados para cuerpos digitales en formato FF.

ED (Extra-Dispersion): Lentes especiales para una mejor calidad de imagen.

IF (Internal Focusing): Sistema de enfoque por movimiento interno de las lentes.

SDM (Supersonic Dynamic Motor): Motor de enfoque ultrasónico (más rápido y silencioso) incorporado en el objetivo.

LE (Limited Edition): Objetivos de producción limitada.

WR (Weather-Resistant): Objetivos especialmente sellados para resistir polvo y lluvia.

SMC: Las carácteristicas más nótables de estos objetivos según el fabricante son los siguientes: diseño óptico mecánico y estético superior, mejores presentaciones, manejo perfecto, diseño ultracompacto, mayor durabilidad y resistencia.

Sony Minolta

G: Objetivos de gama alta.

ED (Extra-Low Dispersion): Objetivos de reducida dispersión que limitan las aberraciones cromáticas que se suelen producir, fundamentalmente, en objetivos de focal larga.

SSM (SuperSonic Motor): Sistema de enfoque rápido y silencioso.

IF (Internal Focusing): Sistema de enfoque interno que desplaza las lentes del interior del objetivo, sin mover las frontales y traseras, buscando así una mayor estabilidad en el proceso de enfoque.

AF (Auto Focus): Objetivos con enfoque automático, a diferencia de otros objetivos con enfoque manual como MC, MD ó MF.

APO (Apochromatic): Objetivos que incluyen uno o varios cristales apocromáticos con el fin de reducir o eliminar las aberraciones cromáticas.

D (Distance): Objetivos que pueden informar a la cámara de la distancia a la que se ha enfocado al objeto. Estos objetivos son compatibles con el modo de flash ADI (Advanced Distance Integration). Todos los nuevos objetivos Sony y Carl Zeiss son D.

DT (Digital Technology): Objetivos que son únicamente compatibles con las cámaras de sensor APS-C.

RS (Re Styled): Objetivos Minolta que fueron renovados, incorporándoles nuevos diseños ópticos, haciéndolos compatibles D y rediseñando la carcasa.

SAM (Smooth Autofocus Motor): Objetivos que incluyen el nuevo motor de enfoque Smooth Autofocus Motor.

Olympus

ED (Extra-Low Dispersion): Objetivos de baja dispersión que reducen las aberraciones cromáticas que se producen, sobre todo, en teleobjetivos.

SWD (Supersonic Wave Drive): Sistema de enfoque

Siete ajustes básicos para afinar tus archivos RAW con rapidez y sencillez

Newsletter:

RSS

Twitter

Facebook

Google Plus

Versión móvil

Versión tablet

Si queremos tener el máximo control sobre el acabado final de nuestras fotografías durante el proceso de edición y realizar un retoque lo menos destructivo posible, lo ideal es disparar en RAW. Todos los que tenemos cierta experiencia en el mundo de la fotografía lo sabemos, y, aunque algunas cámaras generan ficheros JPEG muy cuidados, para realizar una edición profunda y de calidad lo ideal es utilizar el formato RAW.

El problema es que la edición de ficheros RAW tiene fama de ser complicada y tediosa. Antiguamente sí había algo de esto, pero hoy en día, gracias a herramientas como Camera RAW de Adobe, entre otras, es perfectamente posible pulir una imagen en este formato en unos minutos y de una forma muy sencilla. El objetivo de este post es, precisamente, este: sintetizar los ajustes básicos que nos ayudarán a rematar la mayor parte de las fotografías.

Antes de entrar en materia debemos tener presente que es probable que Camera RAW no abra los ficheros en el formato en el que los genera nuestra cámara. En ese caso lo único que tenemos que hacer es descargar Adobe DNG Converter, que es una herramienta gratuita, y pasarlos a formato DNG. Una vez hecho esto, Camera RAW no tendrá ningún problema para manipularlos. Vamos allá.

1. Balance de blancos

Todos los modificadores que vamos a utilizar están alojados en el margen derecho de la interfaz. Empezaremos la edición ajustando el balance o equilibrio de blancos (White Balance). Camera RAW incorpora varios modos predefinidos (automático, luz del día, nublado, etc.). Podéis probar alguno de ellos, pero os aconsejo que elijáis el modo A medida y **modifiquéis los parámetros Temperatura (Temperature) y Matiz (Tint)** a vuestro antojo hasta que obtengáis el acabado que buscáis.

2. Exposición

El siguiente parámetro que vamos a ajustar es la exposición (Exposure). Nos indica qué cantidad de luz ha recibido el sensor de nuestra cámara, y lo ideal es que los picos del histograma que tenemos en la esquina superior derecha de la interfaz estén centrados, y, por tanto, no muy cerca de los márgenes izquierdo y derecho de la gráfica. Para ajustar la exposición solo tenemos que desplazar el deslizador hacia la derecha o la izquierda. Eso sí, es importante que manipulemos este parámetro con cuidado y de la forma más sutil posible, porque de lo contrario saturaremos las altas luces.

3. Contraste

Habitualmente el brillo no suelo tocarlo porque se aplica mediante una curva no lineal, y el afinado mediante la exposición que acabamos de ver es menos agresivo. Por esta razón, os sugiero pasar directamente al contraste (Contrast). Este parámetro nos permite balancear las zonas más oscuras y las más luminosas de la fotografía, pero debemos tener cuidado para no saturar las altas luces y perder el detalle de las zonas oscuras. Yo casi siempre opto por incrementar de una forma muy ligera el contraste, pero os sugiero que hagáis vuestras propias pruebas y decidáis qué acabado os gusta más. En cualquier caso, si preferís un control más preciso sobre el contraste, no modifiquéis este parámetro y pasad directamente al siguiente apartado.

4. Altas luces y sombras

Otra forma aún más precisa de equilibrar el contraste consiste en «atacar» directamente las altas luces y las zonas en sombra. Para llevarlo a cabo tenemos que pinchar en el icono Curva de tonos (Tone Curve) y desplazar con cuidado los deslizadores de altas luces (iluminaciones o highlights) y sombras (shadows). Para incrementar levemente el contraste de nuestra fotografía solo tenemos queaumentar el valor de las altas luces y reducir el de las sombras, pero sin excesos. Suele dar buen resultado.

5. Intensidad

El parámetro Intensidad (Vibrance) nos permite actuar directamente sobre el color, incrementando o reduciendo la saturación, por lo que en algunas fotografías puede ayudarnos a conseguir los tonos que buscamos. Afecta principalmente a los tonos medios, por lo que suelo utilizarlo con mucha sutileza, aunque si lo reducís de forma muy drástica obtendréis un efecto muy curioso en el que los colores fríos se desvanecerán y los cálidos se impondrán. En algunas fotografías puede quedar muy bien.

6. Saturación

Al igual que el parámetro intensidad, nos permite actuar sobre el color de nuestra fotografía, pero, a diferencia de este, influye en el equilibrio de color global de la instantánea, y no solo en los tonos medios. Habitualmente el mejor resultado lo obtenemos manipulando tanto la intensidad como el contraste, por lo que os sugiero que os familiaricéis con los cambios que introducen en vuestras fotografías ambos parámetros.

7. Enfoque

Antes de concluir con nuestra edición básica a través de Camera RAW me gustaría proponeros que retoquéis el enfoque de vuestras fotografías para corregir ese aspecto «blando» que suelen tener al abrirlas con el editor, y, de esta forma, incrementar su nitidez. La herramienta Enfoque (Sharpening) de Camera RAW no es ni mucho menos tan destructiva como el enfoque de Photoshop, por lo que podemos utilizarla con más tranquilidad. A mí me suele gustar incrementar el parámetro Cantidad (Amount), de manera que tenga un valor que oscile entre 40 y 60. Los parámetros de enfoque los tenéis en el grupo Detalle (Detail), que es el tercer icono empezando a contar por la izquierda.

Como hacer un Time-Lapse:

Un Time-Lapse es una secuencia de fotografías tomadas cada cierto tiempo que luego se unen para montar un vídeo dando la sensación de cámara rápida.

Consideraciones previas

·         Para empezar, necesitamos una cámara de fotos que permita disparar automáticamente durante intervalos de tiempo determinados. Hay algunas réflex que llevan intervalómetro incorporado y otras a las que se le puede acoplar a través del disparador remoto.

·         Un trípode o punto de apoyo también es fundamental, sin él nos será imposible hacer un Time-Lapse . Si lo que queremos es que nuestro Time-Lapse sea con movimiento para fotografiar una escena más amplia, no nos quedará más remedio que usar un trípode motorizado.

·         La tarjeta de memoria es también otro punto muy a tener en cuenta. Nosotros te recomendamos que uses una tarjeta de la máxima capacidad posible, porque si te quedas sin espacio, tendrás que reemplazarla por otra nueva y perderás un montón de fotogramas de la escena y el ángulo original de la toma, lo que se traduce en destrozar tu Time-Lapse.

·         No olvides de llevar la batería cargada al 100%, o llevar una de repuesto. Nunca se sabe cómo puede acabar una sesión de Time-Lapse.

Comenzamos a tomar fotogramas

Bien, ahora que estamos en el sitio que queremos para tomar fotografías, encendemos nuestra flamante cámara y la programamos para que dispare automáticamente cada X segundos. La manera de programarla va en función del método que utilices (bien por el software interno de la cámara o bien por un intervalómetro externo).

En el caso de que queramos fotografiar un anochecer o amanecer, tendremos que poner un intervalo de 30 segundos más o menos. En cambio, si queremos fotografiar el movimiento de una carretera o de una calle con personas, lo recomendable es establecer un intervalo de 5 segundos o menos.

Otra cosa que debéis tener en cuenta es en poner la cámara en modo de Prioridad de apertura, para que así la velocidad del obturador vaya cambiando automáticamente en función de la cantidad de luz disponible. En este caso, de día veremos fotos estáticas, y de noche veremos las estelas de las luces debido a una velocidad de obturación más lenta.

Si la pusiéramos en Prioridad de obturación, mantendríamos la velocidad de las fotos, pero perderíamos la profundidad de campo constante, ya que es el diafragma el que se encarga de regular el paso de la luz para obtener una correcta exposición de la foto.

La Famosa Hora Azul

Pero el atardecer no es sólo esa franja horaria en la que el cielo está rojo o naranja, incluye todo el proceso en el que el sol se pone y empieza a anochecer. Otro de los momentos que nos proporcionará este proceso es la hora azul.
La hora azul es ese momento en el que el sol ya se ha puesto pero aún no es totalmente de noche. El cielo pasa a teñirse de un azul oscuro muy llamativo que, además, muchas veces tiende a mezclarse con otros colores como el naranja o el violeta para dar como resultado un cielo muy curioso que podemos aprovechar para darle otro aire a nuestras fotografías.

Durante este momento, empiezan a aparecer las primeras estrellas en el cielo, así que podemos conseguir fotografiarlas sin necesidad de trasnochar (aunque, evidentemente, los resultados no serán los mismos que si hacemos las fotografías en noche cerrada). Ten en cuenta, sin embargo, que en estos momentos la luz empezará a escasear mucho así que, para poder aprovechar la hora azul, quizás sea necesario llevar contigo un trípode y un disparador remoto para evitar que las fotografías salgan trepidadas, además, la hora azul es un proceso muy rápido en el que el el cielo irá cambiando de tonalidades hasta llegar al negro. Ten en cuenta esto para poder aprovechar mejor el tiempo del que dispongas y poder incluir estas tonalidades en tus imágenes.

La Perspectiva

El Lavatorio es un cuadro del pintor italiano Tintoretto, considerado una de sus obras más importantes.

El artista representa el episodio antedicho con Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos. En un segundo plano se estaría relatando un milagro de San Marcos narrado por Jacobo de la Vorágine en su Leyenda dorada. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado, cuya esculturalidad se asemeja a las poderosas anatomías de Miguel Ángel.

La composición parece descentrada, con el episodio principal desplazado a un lado del cuadro. Esto se explica por el emplazamiento original del cuadro, en la pared derecha de una estancia alargada; los creyentes verían más cerca precisamente la parte donde estaba Jesús. Además, la mesa está orientada hacia esa zona, de modo que vista la obra desde la derecha, el escorzo de la mesa acentúa el efecto de perspectiva. A ello también contribuye el pavimento de losas con formas geométricas.

En el fondo de este lado izquierdo se ven arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia, con una barquichuela entre canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que da un aire un tanto irreal. Los elementos arquitectónicos están inspirados en ilustraciones de Sebastiano Serlio.

Las tres situaciones

en que elevar la sensibilidad ISO de tu sensor se convierte en casi una obligación.

#1 Cuando Usamos Focales Largas A Pulso

Como sabes, existe una regla, la de la inversa de la focal, que mide el tiempo de exposición máximo para garantizar un resultado no trepidado en tus fotografías. Esta ley dice que si disparas con un 50 mm, te cerciores de utilizar tiempos de exposición superiores o iguales a 1/50 seg. Sistemas de estabilización aparte.

¿Qué ocurre cuando en lugar de un 50 mm estamos utilizando, por ejemplo, un 300 mm? Pues que como máximo puedas utilizar un tiempo de exposición de 1/300 seg. Si a esto le unes una apertura no demasiado amplia, hace que la iluminación no sea suficiente, por lo que no te queda más remedio que subir el nivel de sensibilidad ISO de tu sensor para asegurar una exposición adecuada. Es decir, cuando utilices objetivos de cierta focal, no seas tan estricto con tu nivel de sensibilidad ISO y ten algo de manga ancha para poder exponer correctamente.

No obstante, afortunadamente muchos teleobjetivos incluyen sistemas de estabilización que permiten utilizar tiempos de exposición algo superiores, aunque también, con la densidad de los últimos sensores, lo cierto es que la inversa de la focal se queda corta, con lo que a la mejora que nos ofrecen los sistemas de estabilización hay que contrarrestarle que la inversa de la focal actualmente se queda un poco corta.

#2 Cuando Queremos Congelar Altas Velocidades

Piensa en fotografía deportiva, fotografía salvaje, insectos, pájaros, etc. En definitiva, sujetos de lo más movido para los que necesitas tiempos de exposición lo suficientemente pequeños como para congelar el movimiento. La siguiente imagen habría sido imposible a ISO 100. Sus parámetros fueron 400 mm, f/4.5, ISO 400 y 1/3200 seg.

Habitualmente, tendemos a abrir el diafragma al máximo para aprovechar la luz, pero esto no suele ser suficiente para utilizar tiempos de exposición reducidos y conseguir exponer adecuadamente. Por ese motivo, subir el nivel de sensibilidad nos permite reducir un poco la apertura para asegurar el foco y, por supuesto, utilizar un tiempo de exposición que permita congelar la imagen.

¿Qué me dices de imágenes de insectos batiendo sus alas, o de coches de carreras que deseas sacar completamente congelados? Puede ser adecuado utilizar tiempos de exposición cercanos a 1/2000 seg. o inferiores. Por lo que incrementar la sensibilidad deja de ser una opción para convertirse en una obligación.

#3 En Fotografía Nocturna. Especialmente Cielos

En situaciones de escasa iluminación, sin duda la sensibilidad puede ser ese tercer elemento del triángulo de la exposición que nos permita utilizar aperturas y tiempos de exposición más adecuados para el resultado que queremos obtener.

No obstante, con un trípode y si la escena lo permite, podemos no tener que recurrir a elevar la sensibilidad ISO a fuerza de utilizar tiempos de exposición prolongados. Pero, claro, la escena y el movimiento en la misma (o más bien la ausencia de éste) debe permitirlo.

En la fotografía de cielos con estrellas la sensibilidad ISO debe elevarse para evitar que la rotación de la Tierra origine que las estrellas aparezcan movidas en el cielo, salvo que éste sea el efecto que se busque, como en la técnica de star trails. Quien dice estrellas, dice cualquier otro elemento con iluminación propia, o bien iluminado y que pueda moverse (como en la fotografía de portada del artículo con el agua).

Si quieres que tus estrellas “no se muevan”, en función de la focal y la apertura a la que dispares deberás utilizar valores de sensibilidad ISO no inferiores a ISO 800. Por lo que es otra situación en que el empleo de una sensibilidad ISO más elevada de lo normal debe ser asumido con total normalidad. La fotografía anterior, concretamente, exigió utilizar ISO 1600.

¿Qué es eso de la Composición?

La composición es, básicamente, la distribución de elementos en una fotografía.

Con una composición u otra lo que busca un fotógrafo puede ser: hacer que un elemento destaque por encima de otros, transmitir armonía y orden con distribuciones simétricas, mostrar desorden con distribuciones caóticas, etc.

Ahí reside la magia de la composición. Dos fotos de una misma escena, con los mismos elementos y parámetros de la toma, pero en las que varíe la distribución de los elementos, pueden transmitir mensajes completamente opuestos.

Ésa es, precisamente, la grandeza y la “dificultad” que encierra la composición. Y por ello debemos pasar a dominarla.

No existe Una Regla Maestra.

Pero Hay Pautas o Directrices

Podrías pensar que para dominar la composición bastaría con tener una regla para destacar un elemento, otra regla para mostrar armonía, otra para desorden, otra para…

Pero, claro, no es tan sencillo. No existe una regla maestra o un conjunto de reglas que te aseguren siempre el éxito en tus composiciones.

Aunque sí que hay directrices o pautas que te permitirán “preparar” tus fotos y componerlas de modo que la respuesta de aquéllos que las observan sea la mejor posible.

Eso sí, también quiero que pienses que, como muchas veces se dice en fotografía,

las reglas están para romperlas.

Las directrices aseguran el éxito de una foto en el 99% de los casos, pero siempre existe un 1% que se sale de la norma y que puede llegar a gustar incluso más que las fotos que siguen a rajatabla el conjunto de reglas de composición.

Mira esta foto. El éxito de esa foto es, precisamente, el muñequito con gorro, que rompe la armonía de la foto y le da un toque especial, ¿no crees?

La Primera Regla: Elige El Elemento Principal de Tu Composición

Toda composición debe tener un elemento principal, un objeto sobre el que deseas llamar la atención del que ve la fotografía, un elemento que pretendas que pueda “dar nombre” a la fotografía.

Piensa que lo que se busca con una fotografía es, precisamente, presentar ese objeto de uno u otro modo, pero presentar ese objeto, al fin y al cabo.

Por tanto, la primera regla que deberás aplicar antes de comenzar a pensar, siquiera, en otras reglas, es identificar el objeto sobre el que deseas centrar la atención del que observará la fotografía.

Una vez elegido este objeto ya tienes mucho ganado. Eso sí, no es una elección fácil. Muchas veces dudamos entre el objeto al que queremos dar mayor peso en nuestras fotos y ése es precisamente el problema de que algunas de ellas no funcionen.

Elementos Compositivos: El Punto y la Línea

Después del anterior apartado puedes pensar que, a partir de ahora, deberás buscar objetos aislados y puntuales para que sean centro de tus composiciones y debo decirte que no es así.

Desde el punto de vista compositivo, existen dos tipos de elementos principales con los que deberás jugar en fotografía: el punto y la línea.

Entendido en un sentido amplio, el punto será un objeto, o conjunto de éstos, que no presenta un trazo lineal, sino que ocupa un determinado área dentro de la fotografía.

Por su parte, la línea será un objeto en forma longitudinal, o bien un conjunto de éstos, que compone una línea, y que conducirá la mirada del que observa la fotografía desde un extremo a otro de la misma.

La Segunda Regla: Mejor Cuanto Más Simple

Cuando uno empieza en esto de la fotografía tiende a incorporar en sus fotos el mayor número de elementos posibles, como si se tratase del “bolso de Mary Poppins”, ¿sabes a qué me refiero?

Sin embargo, a medida que va adquiriendo cierto criterio se da cuenta de que con eso lo único que se consigue es distraer la atención del que ve la foto e impedir que la atención de éste se dirija hacia el verdadero centro de interés de la fotografía.

De modo que a la hora de componer ya sabes, lo primero, como hemos dicho antes, es elegir el objeto que será centro de la composición.

Pero, lo segundo y no menos importante, es tratar de eliminar de la fotografía todos aquellos elementos que distraigan o impidan dirigir la atención del que observa la foto sobre el verdadero centro de interés de la misma.

Recuerda: Mejor cuanto más simple.

¿De Dónde Salen Todas Esas Reglas? El Funcionamiento de Nuestros Ojos

El fundamento que da sentido a todo lo que hemos dicho hasta ahora y todo lo que diremos en lo sucesivo es, como no podría ser de otro modo, la forma en que funcionan nuestros ojos.

Por ejemplo, piensa en la segunda regla que hemos citado en esta entrega: “Mejor cuanto más Simple”.

La explicación que se puede dar a esa regla, en lo que respecta a nuestros ojos, no es otra que el hecho de que no podemos ponernos bizcos y mirar a dos o más objetos a la vez.

O centramos nuestra atención en un objeto o en otro, pero no en muchos a la vez, porque si no, nuestros ojos se agotan sin dar ningún sentido a la fotografía.

Y en caso de que haya más de un elemento principal en nuestra fotografía, éstos deberán mostrarse debidamente armonizados, con equilibrios en cuanto a distancias y tamaños entre los mismos, colores, texturas, etc.

Si has observado la imagen de la derecha puedes pensar que me estoy contradiciendo a mí mismo, pues hay más de un elemento en la fotografía.

Bien, en mi opinión aunque hay 3 objetos, lo que yo observo es un elemento lineal único, constituido, eso sí, por 3 elementos.

Me temo que entramos en terrenos pantanosos, que probablemente puedes no estar de acuerdo conmigo, aunque creo que es algo que debemos asumir. La fotografía, como arte que es, está abierta a interpretaciones y esas interpretaciones son las que hacen que una foto funcione o no, ¿no te parece?

Algunos Consejos Que Surgen Del Estudio del Comportamiento de Nuestros Ojos

Como hemos dicho, toda explicación de las reglas de composición obedece al comportamiento de nuestros ojos.

A continuación te muestro algunas observaciones que podrán serte de utilidad en tus composiciones y que nuevamente responden a la forma en que funcionan nuestros ojos:

Dirección de la mirada. Cada persona tiene una forma de “leer” las imágenes que viene determinada por su cultura y que se aprende desde pequeños. Así, mientras un occidental leería una imagen de izquierda a derecha y de arriba a abajo, un árabe lo haría de derecha a izquierda y de arriba a abajo y un oriental lo haría de arriba a abajo y de derecha a izquierda. Aunque te parezca una tontería, el éxito de una foto vendrá determinado por criterios como éste, el de la forma que tienen los seres humanos de “leer” las fotografías.
Impacto visual.Existen formas, colores, tamaños o distribuciones que tienen más fuerza que otras a la hora de llamar la atención del que observa la fotografía. Aquí tienes un pequeño resumen de algunos de estos criterios a la hora de saber llamar la atención sobre unos objetos frente a otros:
- Claro tiene más fuerza que Oscuro
- Cercano tiene más fuerza que Lejano
- Aislado tiene más fuerza que Agrupado
- Nítido tiene más fuerza que Desenfocado
- Grande tiene más fuerza que Pequeño
- Color tiene más fuerza que Escala de Grises o Blanco y Negro

¿Horizontal o vertical? En función de la sensación que quieras transmitir será más recomendable la elección de un tipo de encuadre u otro. La disposición horizontal responde a la forma en la que vemos la realidad y proporciona una sensación de calma y tranquilidad. Por su parte, la distribución vertical genera en el que ve la imagen mayor tensión.

Ingeniería inversa: Averigua Cómo se Hizo una Fotografía

Existen dos tipos de mentes en el mundo: las curiosas, científicas e investigadoras y las que no. Si eres del segundo grupo no te preocupes, la era de internet te ofrece un inmenso abanico de información bien mascada a golpe de click. Si eres del primero seguramente hayas desmontado un reloj, arregles tu propio coche o te preguntes por qué en verano graniza, y tú en manga corta.

Ingeniería inversa es sinónimo de cómo, cuándo y por qué, y os preguntaréis a qué viene todo esto, ¡normal! Vamos a trabajar diversos métodos para inferir cómo se han realizado algunas fotografías, qué esquemas de luces se han empleado, su distancia focal e incluso el post-proceso aplicado. Al finalizar el artículo os mostraré una imagen que deberemos “desmontar” en pequeñas piezas, piezas que, tal y como ocurre con los engranajes de un reloj, funcionan conjuntamente para crear el concepto final. Suena interesante, ¿no creéis? ¡Vamos a verlo!

Engranando la Luz

Comenzamos con el primero de los ingredientes a la hora de descubrir los secretos de una fotografía: la luz. Si la fotografía es luz (frase de cabecera para cualquier fotógrafo que se precie) ¡empezamos fuerte!

¿Qué os parece si analizamos sus propiedades? Obviando el color, una fuente de luz puede clasificarse según su origen o naturaleza, ángulo y según el grado de intensidad.

Origen o naturaleza

Natural: Es la proporcionada por el sol (o la luna) y supone una única fuente de luz (la principal). De gran intensidad y completamente direccional, será fácil detectarla.
Artificial: Constituye una opción puramente creativa mediante el uso de focos y accesorios encaminados a moldear las propiedades de éstos.

Ángulo

Frontal: Su uso es poco habitual (posee las mismas propiedades que la del flash incorporado en la cámara). Aplana la imagen y anula las texturas.
Lateral: Crea profundidad, volumen, atmósfera y aumenta el contraste general de la imagen.

Contraluz: Proyectada desde el lado opuesto a la cámara, siluetea objetos y personajes mediante un halo o línea dura de luz. Tiene la propiedad de “simplificar” escenas aportando cierto grafismo al contexto. Máximo contraste.

Cenital: La luz cenital se proyecta desde arriba y se caracteriza por generar sobras verticales muy marcadas de elevado contraste. De la misma forma, tiene la propiedad de exagerar rasgos y aislar personajes de la influencia del fondo.

Contrapicado o nadir: Opuesta a la cenital, es quizá la menos natural al invertir las sombras “habituales” en objetos. Puede emplearse para crear ambientes de suspense, misterio o terror.

Luz de relleno: Su uso se encuentra restringido a “moldear” las propiedades del esquema de luces propuesto. Suaviza sombras, abre la escena y refina determinados puntos de luz fuertes.
Luz reflejada: De forma natural podemos encontrarla en la arena de playa, agua, paredes o nieve, aunque también existe la posibilidad de emplearla de forma artificial. Tiene la capacidad de modificar el color, proporcionar luces inusuales y a menudo envolver a nuestros personajes.

Intensidad

Luz directa: El uso de luz directa crea sobre objetos y personajes contrastes muy marcados (mínima transición entre luces y sombras). En consecuencia el volumen se ve afectado, los colores pueden suavizarse en zonas sobreexpuestas y los detalles suelen perderse en las sombras.

Luz difusa: Mediante el uso de difusores, tiene la capacidad de crear volúmenes, mayor transición entre luces y sombras y a menudo respeta la intensidad y uniformidad de los colores.

Vale, ésta es la teoría, en la práctica la historia se complica, o no. Perdonadme que me dirija hacia la fotografía de naturaleza (mi especialidad) pero se me ocurre un símil bastante esclarecedor: Una cosa es que te preocupes por investigar cuáles son los lugares idóneos para que crezca, por ejemplo, un tipo de seta específica, y otra es encontrarla. Estamos hablando del “salto” que te lleva a aplicar lo aprendido en el “campo de batalla”, el salto que te transporta hacia una percepción diferente de lo que observamos, aprender a ver dicen.

Si en una determinada escena aparece el sol, claramente visible, parece sencillo dilucidar qué tipo de iluminación tenemos. Si además observamos que la persona que aparece en la imagen no posee sombras excesivamente marcadas (característica de una fuente como el sol) podríamos deducir que existe alguna fuente de iluminación adicional que rellena sombras. Pero no siempre será tan sencillo.

Imaginemos un retrato en el que no existe una clara evidencia de las luces empleadas, ¿qué pistas debemos seguir? En éste sentido existe un concepto que podría ayudarnos en los primeros pasos de nuestra investigación: El brillo en los ojos, catchlight, obies o simplemente su traducción literal “eye lights”. Los catchlights aparecen por efecto de la luz principal y son muy buenos chivatos de las propiedades de ésta: gracias a ellos podemos averiguar si se utilizó un paraguas, una ventana cuadrada, rectangular, circular, a qué distancia aproximada se encuentra y a qué altura. Si tomamos la circunferencia del ojo como un reloj, el catchlight suele aparecer a las 2 o a las 10

Engranando la Distancia Focal

Pasamos a valorar otro de los aspectos más influyentes en la estética de una fotografía, la distancia focal empleada. ¿Qué pistas podemos seguir para averiguarla? Y no está permitido comprobar los datos exif de la imagen, ¡por supuesto!

Dividiremos las distancias focales en tres grupos: Angulares, tele corto y teleobjetivo. Las variables a tener en cuenta a la hora de conseguir averiguar cuál es el objetivo empleado o la distancia focal aproximada también serán tres: el grado de distorsión, la compresión del plano y la profundidad de campo. En principio, ateniendo únicamente a dichas variables será suficiente para ejercitar la ingeniaría inversa en fotografía, ¿lo vemos?

Angulares: De 8mm a 25mm, los objetivos angulares tienen la capacidad de distorsionar las proporciones de un objeto. Dependiendo de qué zonas de éste se encuentren en qué zonas del fotograma (hacia los extremos o hacia el centro) se exageran determinadas partes u otras. Por otro lado, no comprimen los planos (se aprecia distancia entre ellos) y la profundidad de campo es elevada (muy mal has de enfocar para no colocar a foco toda la escena)

10357836_674753472619380_1547517447433384042_n

Aprovecho el ejemplo para el uso de angulares y me presento, ¡es un autorretrato!

Tele corto: De aproximadamente 50mm a 100mm, los teles cortos suavizarán todas y cada una de las propiedades del angular, es decir, menos distorsión (quizá la más aceptable y real), mayor compresión de planos y menor profundidad de campo.

Teleobjetivo: De 100mm en adelante, los teleobjetivos invierten por completo las propiedades de las lentes angulares, es decir, comienzan a distorsionar en sentido inverso (comprimen las formas), la profundidad de campo se reduce al máximo y la compresión de los planos es extrema.

Engranando el Post-Proceso

Inferir un determinado post-proceso es sencillo y complicado a partes iguales. ¿Por qué digo esto? Resulta algo tan creativo y se pueden emplear tantas y tantas capas de ajuste diferentes que exponer un esquema al respecto podría convertirse en una tarea muy compleja. A cambio, vamos a ver ciertos puntos que podrían ser de ayuda:

Color: Podríamos emplear herramientas (en photoshop) para su medición pero, en principio, a simple viste deberíamos de captar las diferentes tonalidades presentes, incluso si existe proceso cruzado donde las luces tienden hacia tonos cálidos y las sombras hacia fríos.
Exposición: El histograma puede darnos también alguna pista. Si se trata de una clave alta o baja donde éste se concentre en luces o sombras será fácil detectar el tratamiento. Aun así, si entendemos las claves del análisis del histograma podremos obtener numerosas conclusiones.
Densidad: La densidad de las diferentes tonalidades de una imagen pueden darnos una pista del procesado que ha llevado, cómo se han aplicado curvas o la profundidad de los colores.
Degradados: Aunque pueden conseguirse “insitu” o mediante capas en photohsop, en fotografía de paisajes donde las luces entre cielo y tierra son a menudo dispares son habituales.
Piel: En retrato, el procesado de pieles resulta un mundo aparte. Si el autor es un virtuoso en la materia será difícil detectarlo, en caso contrario, pude que encontremos pistas sobre el tratamiento empleado.
HDR: O literalmente “High Dinamic Range”, nos permite extender el rango dinámico de una imagen (escala de tonos). En la misma línea que el retoque de pieles, si el autor ha sabido emplear la ténica adecuadamente será difícil detectarlo, en caso contrario, sombras notablemente lavadas o “halos” de procesado suelen ser habituales.

¿Qué os parece si pasamos a engranar un caso práctico siguiendo las pautas expuestas para luz, distancia focal y procesado? ¡Adelante!

Diseccionando una Imagen: Caso Práctico

Hemos ido comprobando por separado cada uno de los aspectos a tener en cuenta, ¿qué tal si lo llevamos a la práctica? Para ello os mostraré una imagen sin ningún tipo de indicación y, en base a lo aprendido, deberéis analizarla prestando atención a las luces que pudieran entrar en juego así como la distancia focal empleada, ¿os animáis? En la siguiente imagen mostraré mis conclusiones.

TEXTOS de Javier Millán Luengo (Badajoz, 1986).

Modos de medición de luz

Hay veces en la vida tienes que tomar decisiones. La tecnología no es capaz de funcionar de manera autónoma al 100%. Necesita que la guiemos, que le demos alguna pista.

La medición de luz en cámaras de fotos réflex es uno de esos ajustes que tienes que decidir por ti mismo. Tu cámara, por muy eficiente que sea en el modo automático, no puede adivinar el modo de medición de luz más adecuado. Lo tienes que decidir tú.

En el artículo de hoy me gustaría ayudarte a tomar esta decisión. No la pienso tomar por ti. Lo que sí te intentaré ayudar es a entender el significado de la medición de luz de manera simple, dándote algunas pistas sobre cuándo utilizar cada modo.
Allá vamos.

¿Qué son los modos de medición de luz ?

Para no producir fotos sobreexpuestas (con demasiada luz) ni subexpuestas (demasiado oscuras) la cámara de fotos intenta “dosificar” la cantidad de luz que entra. Si ve que el paisaje, persona u objeto retratado está oscuro la cámara intenta compensarlo dejando que entere un poco más de luz. Si por el contrario se percata de que es un día muy soleado, o que hay demasiada luz en la escena, ahí intenta restringir la cantidad de luz que pasa a su interior garantizando así unos niveles de iluminación correctos.

¿Me sigues? Bueno pues la medición de luz es una indicación que le damos a la cámara para que ésta distinga qué parte del encuadre se debe tomar como referencia para regular la exposición (la captura de luz). Si algunas partes del encuadre estuvieran demasiado iluminadas y otras demasiado oscuras, la cámara se volvería loca. Alguien le tiene que decir: “Oye olvídate de esta parte x del encuadre, céntrate en esta otra que es la que realmente me interesa fotografiar con unos niveles de exposición correctos, si lo demás sale sobreexpuesto o subexpuesto me importa menos”.

Tipos de medición de luz

Principalmente hay 3 tipos.

Medición Puntual:

Aquí la cámara mide la luz de un punto específico del encuadre (normalmente el centro, si bien en algunas cámaras se lo puedes indicar tú) y regula la cantidad de luz que necesita captar en función de esa medición. Que el resto del encuadre salga más oscuro o más iluminado a la cámara se la trae sin cuidado. Lo que interesa exponer correctamente es una zona concreta y “puntual”. De ahí el nombre.

Si tienes una escena en la que la mayor parte del encuadre está oscura y sólo una parte muy mínima está iluminada conviene que utilices el modo de medición Puntual y le indiques a la cámara dónde está ese personaje que te interesa iluminar bien.

Medición Ponderada al Centro:

Casi similar a la medición puntual, excepto por el hecho de que toma como referencia el punto indicado, dándole mucha importancia en el cálculo, pero también tiene en cuenta la zona alrededor de ese punto, eso sí, dándole una importancia mucho menor.

Medición Matricial:

Éste es el modo más fácil de usar, y generalmente el que se usa más frecuentemente. Aquí simplemente le dices a la cámara: “Mira, calcula los distintos niveles de luz de todo el encuadre, saca una media, y sácame la foto con esa media de luz”.
Aquí normalmente la mayoría de los elementos del encuadre suelen salir bien expuestos puesto que la cámara no se va a ninguno de los dos extremos, sino que aplica una exposición “media”.

¿Para qué situaciones es mejor usar la medición matricial?
Toda foto en la que no haya ningún elemento excesivamente iluminado ni demasiado oscuro.

Enlaces Relacionados

La Vida es como una cámara

- Solo enfoca lo que es importante

- Captura los buenos momentos

- Saca de lo negativo un aprendizaje revelador

- Y si las cosas no salen como las deseabas, intenta una nueva toma

La fotografía no es algo verdadero

Es una ilusión de la realidad con la cual creamos nuestro propio mundo privado

Arnold Newman

MIS BODEGONES

Cuando creo una foto de un bodegón se crea un mundo, un instante, que tiene vida.
Al momento se desmonta todo y ese mundo desaparece.
Sara Pardo

FRASES CON AUTOR

Una fotografía no se toma, se hace.

AMSEL ADAMS

Mirar, fotografiar un paisaje bello es un poco como escuchar musica ó leer poesia, ayuda a vivir.

Marc. Riboud

viernes, 24 de enero de 2014

Textos de fotografia